The Moola Mantra (moola - root) is inspired by the vision of avatars Sri Bhagavan and Sri Amma. Their vision of oneness is a Oneness which honours all spiritual paths, religions, creeds and traditions. I offer this music as a gift to these beautiful beings, who have showered their grace on me with such loving abundance. It is with their blessings that this recording came to be. I see unity-in-diversity as the only way for humanity to live in harmony, and the Moola Mantra is an expression of this understanding.
I dedicate this album to my beloved Guruji, Osho.
Om shanti,
~ Deva ~

Nach über einjähriger Produktionszeit, erscheint Deva Premals bahnbrechendes Album mit dem wundervollen Moola Mantra, welches die heilige männliche und weibliche Energie zelebriert. Deva und Miten entdeckten es während ihres inspirierenden Aufenthaltes in der Oneness Universität in Chennai, Indien.
Unter der Leitung von Ben Leinbach, bekannt von seinen fantastischen Produktionen mit Jai Uttal, entfaltet sich das Moola Mantra unter der Führung von Devas göttlichem Gesang in einer Klanglandschaft aus Sitar, Bansuriflöte, Dotar, Streichern, Piano, Tablas und ambienten Sphärensounds.
Spezielle musikalische Gäste sind Miten (Gesang), Jai Uttal (Dotar), Manose, der nepalesische Bansuri-Meister, der inzwischen ein integraler Bestandteil von Devas Live-Konzerten geworden ist, sowie Kit Walker (Piano) und Benjy Wertheimer (Esraj).
Dieses Album zeigt, wie schon fantastische Musiker über sich selbst hinauswachsen und zu neuen Höhen aufsteigen können.

The Sanskrit word ‘Sattva’ means 'the essence of being'. It refers to that soft, silent and serene space that awaits us beyond our mind.

With 'Sattva', Manish launches his first album, sharing the many years of experimentation that have graced his musical journey – a journey enriched by talented musicians from around the globe.

Through songs and chants vibrating with silence, devotion and prayer, this music connects you with this very essence, bringing
the listener effortlessly into the heart.

Let his soulful voice and rich compositions based on ancient mantras and 'tarana' lead you into ‘Sattva’... the state of balance
and harmony.

Thomas Barquee was born in Hamburg, Germany, in 1963. At an early age, he studied classical keyboard and piano and became interested in pop music in his teens. Barquee formed his first band, Million Dollar Secret, in the early '90s and released one album, Under the Surface. Following the bands demise, Barquee released a solo album, Long Way to Go, which scored a European hit with "Girls Talk." While on a break from touring, Barquee released his second album in 1992, Dancing on My Own, followed in 1994 by Zulu Time. After moving to Los Angeles, Barquee took advantage of freelance opportunities, creating music for film, television, and advertising. Gradually becoming disillusioned with contemporary pop music, he developed a spiritual interest in ambient and trance music, which culminated in Temple, released on the Hearts of Space label in 2000. Barquee recorded Temple utilizing his unique vocal applications while playing all of the musical parts with the exception of percussion.

For some time now it's seemed as if the realm of wordless vocal exotica has been ruled by women - what with Lisa Gerrard, Vas, Ekova, and Adiemus singing wordless hieroglyphics. But now, Thomas Barquee follows fellow German-born singer Thomas Otten in asserting a male timbre in the proceedings. Barquee merges Gregorian ambiences, synthesizer framing, and what sounds like a glossolalia of Latin and Sufi phonemes. His attractive alto voice doesn't employ esoteric techniques. There's no harmonic singing, Mongolian throat growls, or Qawaali wails. Instead, he's like a choirboy in a state of ecstasy as he arcs across his chants, articulating an inner rumination. Favoring spare and resonant synthesizer orchestrations, distant hand percussion, and the occasional touchstone of piano and acoustic guitar, he gives his music an airbrushed sheen, creating a chromium cathedral. Though occasionally edging toward sweet sentimentality, Barquee always pulls back from the saccharin precipice.

Manchmal geben Frauen die Richtung an und haben doch das Steuer nicht in der Hand. So ist es auch bei der Schäl Sick Brass Band aus Köln, der aktuell wichtigsten Weltmusik-Formation aus Deutschland. Ihre erste Sängerin Maryam Akhondy kam aus dem Iran, also spielte man viel Persisches. Dann rückte die Bulgarin Iwanka Iwanowa nach, prompt steht bei der frisch erschienenen CD „Maza Meze“ ganz der Balkan im Vordergrund. Viel zu sagen haben die Front-Frauen der Schäl Sick Brass Band aber nicht. Alle relevanten Entscheidungen trifft Raimund Kroboth. Er ist der unumstrittene Chef der neunköpfigen Bläsergruppe.

„Sie suchte ein Orchester, ich hatte eines, also lud ich sie ein“, so kam Maryam Akhondy Mitte der 90er-Jahre zur Schäl Sick Brass Band. Im Iran hatte sie klassischen Gesang studiert, doch unter dem Mullah-Regime war weiblicher Sologesang verpönt. Jetzt lebte sie in Köln und zur ersten Probe hatte Raimund Kroboth gleich ein iranisches Stück arrangiert. „Sie sagte ‚Schön, schön', doch vermutlich war es für sie ein Graus“, erinnert sich Kroboth. Denn im Iran führen die Orchester keine Blechbläser, sondern Geigen, die Langhalslaute Oud und feinsinnige Handpercussion. Mangels Alternative blieb Maryam Akhondy aber vier Jahre als Sängerin bei Kroboth und seinen weltmusikalischen Blasmusikexperimenten.
Auch ihrer Nachfolgerin Iwanka Iwanowa war das Experimentelle nicht gerade in die Wiege gelegt. Sie hatte bislang eher biedere bulgarische Volksmusik gemacht. Doch sie ist froh, dass sie in Deutschland mit ihrer Musik überhaupt Geld verdienen kann. Und Kroboth ist dankbar, dass sie nicht so kompliziert ist wie Maryam Akhondy. „Wenn ich etwas Persisches umarrangiert habe, versuchte Maryam immer zu retten, was noch zu retten war. Iwanka dagegen stellt sich einfach hin und singt, und wenn es sein muss, rappt sie sogar“, freut sich Kroboth. Allerdings tritt auch die Bulgarin gerne im Trachtenkleid auf, wie um zu betonen, dass sie für die wilden Arrangements nicht verantwortlich ist. Für das Publikum wirkt diese Distanzierung allerdings eher wie ein weiteres ironisches Detail in Kroboths stilistischem Gesamtplan. Auch die übrigen Musiker – fünf Bläser und zwei Perkussionisten, allesamt deutsch und männlich – behandelt Kroboth nicht anders. Er ist der Chef, das erkennen alle an, und der musikalische Output spricht ja wirklich nicht gegen diese Arbeitsweise. Bemerkenswert sind die Machtverhältnisse eher, weil die Schäl Sick Brass Band von manchen Journalisten als „große multi-ethnische Familie“ verstanden wird. Richtig ist das wohl nur, wenn man ein sehr patriarchales Familienverständnis hat.
Maza MezeDie meisten multikulturellen Einsprengsel, wie der deutsch-nigerianische Rapper Adegoke Odukoya oder der ägyptische Popsänger Mohamed Mounir, gehören ohnehin nicht zur Band, sondern sind nur Gäste (um nicht „Gastarbeiter“ zu sagen). Das Prinzip ist einfach: Wer Raimund Kroboth inspiriert, wird zur Zusammenarbeit mit der Kölner Diskursblasmusik eingeladen. Die CDs der Schäl Sick Brass Band sind daher noch bunter als ihre Konzerte.
Auf der Bühne wirkt Kroboth dagegen wie der bescheidenste Bandleader aller Zeiten. Schüchtern sitzt er an der Seite und spielt die Waldzither, ein altböhmisches Zupfinstrument, das man nur selten unter den Powerbläsern hervorhört. Dass er der „musikalische Direktor“ der Gruppe ist, sieht man am besten, wenn er seine schwarz-rote Samtkrone aufsetzt. „Die Krone habe ich in Mainz beim Open-Ohr-Festival gekauft“, erzählt Kroboth, „wir mussten bei acht Grad in der Kälte spielen und die Krone war am Samtmützenstand noch das Unauffälligste!“

Worldmusic made in Cologne, Volksmusik und Folklore aus unbekannten Landen und Ethnopop - das ist eine gewagte Mischung, mit der die Schael Sick Brass Band seit 1994 für viel Spannung im Musik -Business sorgt. Mit "Maza Meze" geht es nun schon zum dritten Mal musikalisch angehaucht in Richtung Balkan. Ein bißchen Hobbythek in Sachen Soundverarbeitung - so mag der ein oder andere denken, der sich zum ersten Mal mit der Schael Sick Brass Band auseinandersetzt. Nicht ganz falsch. Ihre Musik beinhaltet ein Vielzahl an Rhythmen und Sounds. So arabische Melodien, karibische Klänge, Funk, Rap, bulgarische Elemente, griechische Einflüsse, bayrisches, Musik aus Ghana und vieles mehr.
"Maza Meze" - die "gemischte Vorspeisenplatte" - also von allem etwas. Sehr bezeichnend. Viel Gebläse, eine äußerst kehlige Sängerin, ekstatische Percussionisten - ihr Stil ist schwer einzuordnen. Man muß die Musik lieben, bzw. lieben lernen.
"Global denken - lokal Blasen", so Raimund Kroboth, Kopf der Band; nach diesem Motto geht es ganz weit nach vorne.
Vielleicht wieder so weit wie bei den Vorgängern. Dreimal European World Music Charterfolg und Preis der Deutschen Schallplattenkritik. Instrumentales Feingefühl und Experimentierfreude.

Man täte ihr Unrecht, würde man Susana Seivane als eine von vielen galizischen Dudelsackspielerinnen bezeichnen. Unter den jungen Musikerinnen der galizischen Musikszene, sticht Susana Seivane besonders hervor. Zum einen besitzt sie den Charme einer jungen unverbrauchten und überaus talentierten Musikerin, die mit ihrem Publikum zu kokettieren weiß, zum anderen beeinflusste sie ihr familiärer Hintergrund massiv, der ihr den Dudelsack bereits in die Wiege legte. In ihrer Familie lebt seit Generationen die Tradition der Dudelsackherstellung. Eine lange Linie von Gaitabauern und -spielern sorgte dafür, dass sie nicht nur ein quietschendes Plüschtier, sondern auch eine quietschende Gaita ankuscheln konnte. Entsprechend innig ist ihr Verhältnis zur Musik Galiziens.

Susana Seivane is a young 23 years old female piper from Northern Spain. This self titled album is her debut solo album - solo meaning here an album of Susana with a backing band. Susana plays the Gaita (Spanish pipes) and various percussion instruments. The backing is provided on accordion, guitar, bouzoukí, bass guitar, violin, flute, keyboards, percussion and the fine voice of Sonia Lebedynski.
Susana started to play the pipes at the age of three, both her father and her grandfather are pipers. The album contains 11 tunes and 2 songs, all are sounding quite traditional, but most are written by contemporary artists. Northern Spain has a growing number of excellent pipers, Susana is surely one of the new stars. With this album she directly starts on a highly professional level, and it will be interesting to see where the next steps of her career will lead her...

Guem wurde in Batna (Algerien) am 9. März 1947 geboren als Sohn einer Nigerianischen Familie. Er spielte bereits in jungen Jahren die traditionelle Musik des Trance. 1973 gab Guem sein erstes Album heraus mit dem Titel "Percussions Africaines". 1978 folgte ein weiteres Album von Guem & Zaka, aufgenommen mit seinen Schülern des Amerikanischen Kulturzentrums, mit dem er enormen Erfolg hat. Nach einer 25jährigen Karriere hat Guem bereits über 20 Alben produziert und gilt weltweit als einer der besten und interessantesten Perkussionisten.

**Guem: Compilation. Voix d’Afrique
*Guem et Zaka: Best of Percussion. Voix d’Afrique
*Guem: Clair de Lune. Voix d’Afrique
**Guem et Zaka Percussion. Le Chant du Monde
(Letzte fast identisch mit „Compilation“)

Ein Algerier nigerianischer Abstammung, der sich in Paris mit Trommelunterricht eine goldene Nase verdient hat und unter langweiligen diese drei schönen Platten gemacht hat. Alles rein instrumental, sehr schöne Trommelgrooves, sehr gut tanzbar. Achtung: Andere CD's von ihm und der Gruppe Zaka ohne ihn sind nicht so gut oder langweilig und nicht empfehlenswert!

Das Didgeridoo mal völlig anders. Zusammen mit stampfenden Rythmen, Trommeln, und sonstigen Percussion-Instrumenten könnte man manche Tracks aus dieser CD auch in der Disco spielen. Haben teilweise fast einen Techno-artigen Beat. Reißen mit.

Ganga Giri mixes red natural elements with fat tribal beats and dirty funky bass lines to create a unique tribal-technological deep earth dance experience. Explosive and pulsating, at times ambient and flowing, the music is a pumping percussive multi-layered experience of complex grooves and raw, deep natural sound. Ganga himself is a rhythmic didjeridu virtuoso and percussionist-- an inspired music creator who's passion brings people together in celebration of nowness in newness, a modern day corroberre for all!

Representing key elements and inspirations of Australia now, the shows are a modern/primitive multi-cultural celebration, a ‘melting pot’ unifying many musical genres and cultures, bringing audiences world-wide a reflection of today’s multicultural Australia. Ganga Giri's music has been widely & wildly appreciated by music lovers in many countries across the globe including Australia, Japan, Germany, Austria, Switzerland, Netherlands, New Zealand and the United States, igniting audiences in clubs, world music festivals and outdoor dance events. Carving a niche in the DJ dominated world of dance music, Ganga Giri is an energetic, innovative and incredibly live act.

Ganga Giri's full show blends an array of tribal percussion that includes Ganga's uniquely percussive style didj playing, congas, djembe, bougarabou, Nigerian talking drum, mbira and more-- add to this a drizzling of authentic indigenous moves with aboriginal dancers and hold on tight as Ganga Giri sends audiences through the roof.

Wunderschöne "OM"-Musik, von einem Männerchor gesungen.
Sehr beliebt bei den verschiedensten Massagetherapien, beim Yoga, bei Meditation und Workshops. Eine Stunde intensiver OM-Trance.

The OM is all sound and silence throughout time, the roar of eternity and the essence of pure beings. It invokes the ALL that is otherwise inexpressible and it is the highest spiritual sound on earth.
Using the latest in electronic technology, New Age musician Robert Slap has synthesized various pitches from human voices, all intoning the OM together at the prescribed vibrations. In the background is an almost subliminal-sounding choir. Soothing, uplifting and spiritually inspiring; ideal for meditation, massage, or as a background sound to deepen concentration.

Reiki Whale Dreaming nimmt dich mit auf eine Reise zu totaler Entspannung und führt dich in ein Stadium nicht enden wollender Stille. Zusammen mit seelenvollen Walgesängen fließt du mit einer Vielzahl von beruhigenden Klangwellen in einen Bereich tiefen Friedens, in dem Heilung geschehen kann. Perfekte Begleitmusik für Reiki und Meditationen.

Eine wunderschöne CD, auf der die sehnsuchtsvollen Gesänge der Buckelwale mit besänftigenden Klängen ambienter Musik verwoben werden. Der Nachfolger des sehr beliebten Albums "Reiki Whale Song" von Kamal ist ein musikalisches Kunstwerk und hervorragend für Reiki, Massagen und andere entspannende Momente geeignet.
Eine fantastische Ergänzung für Yoga und andere Übungen, die auf Pulsieren und Rhythmus basieren.

„Dan_txa“, der dritte Teil eines Txalaparta Projektes (Lezao 1994 – Ten 1998), ist das Zusammentreffen des Akkordeonvirtuosen Tomás San Miguel mit der baskischen Txalaparta Gruppe Ttukunak und dem Schlagzeuger, Perkussionisten und Koproduzenten dieser CD, Marlon Klein, Gründungsmitglied der legendären deutschen Weltmusikpioniere Dissidenten.
Auf „Dan_txa“ vereinen sich alte, ethnische Aspekte der Tanzmusik und baskische Rhythmen mit aktuellen und futuristischen Sounds. Akkordeon, Txalaparta, Perkussion und andere Instrumente werden in einer ästhetisch und klanglich einzigartigen Weise miteinander verbunden.
Der Begriff „Dan_txa“ ist eine Wortschöpfung, welche die beiden Wörter „Danza“ (Tanz) und Txalaparta (baskisches Perkussioninstrument) vereint, und ist eine Hymne an die Tanzmusik, in der die Txalaparta sich mit Rhythmen aus verschiedenen kulturellen Quellen verbindet und dabei innovative neue Mischungen kreiiert wie z.B. Ethno-Txalaparta, Baiao-Txalaparta, Samba-Txalaparta, Fandango-Txalaparta, Trikitixa-Trance-Txalaparta, Bertso-Txalaparta, Chillo Out-Txalaparta, etc.
Hinter dem Treffen dieser Musiker liegt ein langer Prozess der Meditation und Reflektion und eine Ansammlung verschiedenster Erfahrungen. Tomás San Miguel – Komponist aller Stücke – hat viele Jahre zugebracht, die Reife in seinem Stil zu erlangen, und hat dies abseits der verschiedenen musikalischen Etiketten oder Markttendenzen mit viel Geduld und in Ruhe gemacht.
Txalaparta ist ein primitiver baskischer Rhythmus der auf dem Klang basiert, der beim Schlagen mit Holzstöcken auf Holz-, Stein oder Metallplanken, die auf einem Ständer liegen, entsteht. Man sagt, dass der Sound entstand, um das Galoppieren eines Pferdes zu imitieren. In den letzten Jahren sind die Rhythmischen Formen auf innovative Weise erweitert worden.